Concierto para Piano en sol mayor – Ravel – Podcast: El Arte de Escuchar – Ep.009

Charlamos acerca de Maurice Ravel y de su Concierto para Piano en sol mayor . Podés suscribirte en iTunes para que se descarguen las actualizaciones en tu celular. También podés encontrarnos en ivoox y en stitcher. El podcast es producido por Frenzyl y realizado por Fernando Ynoub e Ignacio Manzo.

Concierto para Piano en sol mayor (1932) – Maurice Ravel (1875-1937)

Vamos a empezar tratando de descubrir qué hay de interesante para escuchar en la Concierto Para Piano en Sol de Maurice Ravel (1875-1937). Si es cierto que el Concierto en Sol es un ejemplo del impresionismo musical, se trata de un impresionismo tardío, porque fue compuesto entre 1929 y 1931, cuando las vanguardias ya miraban hacia otros horizonte. Sea como fuera, este Concierto tiene ocultas algunas sorpresas.

1er movimiento – Allegramente
En cuanto empieza el concierto escuchamos un latigazo. Tal vez sea Ravel llamando la atención de la audiencia: apaguen los celulares, el concierto está empezando; o tal vez sea el castigo para quienes han desperdiciado sus oídos con esas horribles músicas ambientales que suelen recomendar en publicaciones como esta.

Inmediatamente después tenemos una melodía del pícolo sobre unos arpegios (las sucesivas notas del acorde) en el piano, algunos violines y algo de percusión metiéndonos en la atmósfera que nos propone el concierto. Pero no es tan simple, estamos en el estreno del concierto en 1932 y necesitamos algo que despierte nuestro interés. Bueno, mientras la mano derecha del pianista y la mitad de los violines están tocando el arpegio del acorde de sol (la tonalidad anunciada en el nombre del concierto) la mano izquierda del pianista y la otra mitad de los violines están un semitono más abajo, en fa sostenido. Es como si la melodía sobresaliera de una imagen fuera de foco (nótese que este fenómeno se da en las notas agudas; si Ravel hubiera intentado esto con notas más graves, el resultado hubiera sido otro).

Esa melodía y la orquesta crecen en intensidad y cuando creemos que el concierto está arrancando con toda la fuerza, la música baja en intensidad y queda el piano solo, haciendo unos jueguitos algo jazzeros. Responden los vientos, primero con 2 frases, después con 3 frases.

La acción va disminuyendo cada vez más hasta casi detenerse. Aparece una nueva melodía en el piano, pero es como si le costara nacer, con irregularidades en el tiempo. La melodía se completa con la orquesta y antes de desvanecerse, el piano vuelve a ganar velocidad. Rápido esta vez, es una variación de la melodía que habíamos escuchado 2 minutos antes en el principio del concierto.

El piano va creciendo, generando cada vez mayor tensión, y de nuevo, cuando nuestra expectativa es grande, Ravel nos lleva al principio, pero sin el látigo esta vez. Ahora aquel pasaje de piano solo con sonido jazzero es mucho más suave, con pequeñas arpas y campanillas. Esa paz a la que hemos llegado se interrumpe por algo que parece un fuerte silbato (acompañado por la orquesta) y nos hace pensar que Ravel debe haber compuesto alguna parte de este concierto mientras viajaba en tren. Entonces la melodía vuelve al piano, a la mano izquierda, mientras la mano derecha hace trinos (un juego entre dos notas que va cambiando de altura) y es como si ahora estuviéramos en un circo y un payaso estuviera tocando un serrucho (quien haya escuchado algo así alguna vez notarán el parecido).

La melodía ahora es más grande, llevada por la orquesta y acompañada por el piano. Entonces la orquesta se hace a un lado y el piano comienza la carrera hacia el final de la obra. La orquesta vuelve a aparecer y terminan todos juntos con una gran variación de lo que habíamos escuchado al principio del movimiento.

2do movimiento – Adagio
Después de una carrera tan vertiginosa, necesitamos un descanso, algo tranquilo. El piano solo hace una hermosa y larga melodía. Es interesante notar cómo mientras la mano izquierda acentúa 1 cada 3 tiempos, la mano derecha acentúa cada 2 tiempos. Esta diferencia nos sorprende con algunos acentos allí donde no los esperábamos o la ausencia de acentos allí donde sí los esperábamos. La melodía pasa a la flauta, después al corno inglés y crece; aparecen las cuerdas y otros vientos. Cuando la flauta termina su frase y la melodía vuelve al piano, la música se oscurece. La orquesta crece mientras el piano derrama unas hermosas notas rápidas que nos llevan al oscuro climax del movimiento. Desde los ecos del climax, el goteo del piano y las cuerdas seguimos la melodía del corno inglés que nos lleva hacia la larga cadencia y el prolongado (casi demorado) final.

3er movimiento – Presto
El último movimiento arranca de manera parecida al primero, con un llamado de atención que Ravel repetirá 6 veces (con variantes) para delimitar secciones. Sigue una especie de carrera alocada del piano a la que se le superponen varios vientos que aparecen sucesivamente. Esos vientos hacen una melodía que arranca con una nota grave que se estira hacia el agudo, al estilo del clarinete de la Rhapsody in Blue de Gershwin (1924) pero sin lograr alcanzar la nota correcta. Gershwin, ya consagrado, había estudiado con Ravel y este tal vez sea el homenaje del maestro al alumno, ¿o tal vez la burla?

Después del quinto llamado (que aparece antes de los 2 minutos) parece que llegamos a un prematuro y breve cielo y sigue un pequeño pasaje oscuro. Luego hay una larga carrea donde las melodías de los diferentes instrumentos aparecen en lo que podrían ser las notas equivocadas, fuera de escala (¿Ravel sigue burlándose de alguien o de sí mismo?). De a poco, pero siempre a gran velocidad, las cosas se van acomodando y súbitamente llega el final.

El final es una pequeña genialidad de Ravel: si en el segundo movimiento el final fue demorado, en este último movimiento el final es prematuro. Comparando los tres movimientos, el tercero dura cerca de la mitad de tiempo que cualquiera de los otros dos. El final es la repetición del llamado de atención con el que comienza el movimiento; es como si Ravel insinuara que va a venir una repetición con variaciones, algo bastante previsible dadas las proporciones de los tres movimientos. Pero no, la cosa termina así, y uno se queda con las ganas de escuchar algo más. El acto reflejo ante esta necesidad insatisfecha es ponerse de pie sobre la butaca, aplaudir y gritar “¡Bravo Maestro!”

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Sinfonía N5 en re menor, op 47 – Shostakovich – Podcast: El Arte de Escuchar – Ep.008

Charlamos acerca de Dimitri Shostakovich y de su Sinfonía N5 en re menor, op 47 . Podés suscribirte en iTunes para que se descarguen las actualizaciones en tu celular. También podés encontrarnos en ivoox y en stitcher. El podcast es producido por Frenzyl y realizado por Fernando Ynoub e Ignacio Manzo.

Sinfonía N5 en re menor, op 47 (1937) – Dmitri Shostakovich (1906-1975)

Shostakovich se queja porque la gente entiende la música. “Debería ser al revés, pero acá está todo dado vuelta”. Le sacaba las ganas de componer. Los censores hacían estadísticas acerca de cuántas obras están en menor y cuantas en mayor. Con la guerra, el dolor se volvió común a todos y eso trajo cierto alivio.

Solomon Volkov – Testimony

Formalismo. Aquello que no reflejara el heroísmo de la clase trabajadora soviética.
1936: luego del artículo de Pravda titulado “Embrollo en lugar de música” que terminaba con “es un juego que puede terminar muy mal..”, Shostakovich esperaba ser arrestado y asesinado.

Yurodivy: figura rusa que surge hacia el Siglo XV. Es el idiota del pueblo, un anarquista individualista que se impone sus propios límites. Puede exponer cosas y estar relativamente seguro.

Programa de la 5ta sinfonía: “Una larga lucha espiritual, coronada con la victoria”
Shostakovich describió su música al partido como alegre y optimista.
La quinta sinfonía es directa, más simple que la 4ta y que Lady Macbeth.
Dijo el poeta polaco Czeslaw Milosz: “Shostakovich elimina los lujos emotivos. Es música simple que surge de la necesidad.”

1937 es uno de los momento de Terror en Rusia. Fue estrenada en 1937 en Leningrado. Shostakovich: “Todos dicen que no sabían lo que estaba pasando, pero lloraron esa noche.”

Hacia el final, durante el cuarto movimiento, la gente se fue poniendo de pié. Cuando terminó, hubo una ovación.
Mstislav Rostropóvich cuenta que la gente aplaudió casi una hora. “La gente corría por las calles, se abrazaban y se felicitaban por haber sido testigos. Habían entendido el llanto, el terror. Reconocían a la víctima intentando sonreír en medio del dolor. El que cree que el final es glorificación, es un idiota.”
En medio de la ovación, el director, Yevgeny Mravinsky, levantó la partitura sobre su cabeza.

La sinfonía habla del terror.

En occidente no se apreció el valor de la sinfonía y el coraje de Shostakovich. “Aquellos que tienen oído, escucharán” dijo el autor.

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Concierto para Violín en re mayor Op.35 – Tchaikovsky – Podcast: El Arte de Escuchar – Ep.007

Charlamos acerca de Piotr Ilich Tchaikovsky y de su Concierto para Violín en re mayor Op.35 . Podés suscribirte en iTunes para que se descarguen las actualizaciones en tu celular. También podés encontrarnos en ivoox y en stitcher. El podcast es producido por Frenzyl y realizado por Fernando Ynoub e Ignacio Manzo.

Concierto para Violín en re mayor Op.35 (1878) – Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893)

  • El Grupo de los cinco
  • El Nacionalismo
  • Carácter sexual de la música
  • Interpretación

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Sinfonía N4 en fa menor, op. 38 – Tchaikovsky – Podcast: El Arte de Escuchar – Ep.006

Charlamos acerca de Piotr Ilich Tchaikovsky, de su Sinfonía N4 y de sus mujeres

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Sinfonía N4 en fa menor, op. 38 (1877) – Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893)

  • Tatyana, Antonina, and Nadezhda
  • Eugene Onegin.
  • La lucha contra el destino.
  • Beethoven

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